Tarde o temprano a todos los que amamos la street photography nos acaba llegando una copia de Street photography Now. El regalo me sacó una sonrisa y las páginas una inquietud: Alexey Titarenko. Su serie “City of shadows” me hipnotizó. Desde luego no es lo que se podría denominar street photography clásica, de hecho el libro roza varias veces la frontera de lo clásico, llegando a citar la famosa frase “la realidad solo puede ser explicada a través de la ficción” que oí por primera vez del que sin duda es mi influencia más imporante Krzysztof Kieślowski.

Normalmente la street congela el instante, en cambio Titarenko congela el alma de las ciudades. Sus fotos quedaron en mi cabeza y después de resolver detalles técnicos y cambiando un poco la orientación he dado mis primeros pasos.

La primera diferencia es un filtro infrarrojo. Captar lo invisible me seduce, pero aún no me convence, porque los falsos colores que se suelen sacar del infrarrojo en tomas RGB no me gustan y el blanco y negro no es lo mío. Haré más cesiones con filtros neutros para resolver el tema del color, pero Titarenko me ha impulsado a jugar con la street de una manera diferente a la que estoy acostumbrado.

Datos técnicos:

  • Cámara: Nikon D7000
  • Lente: Nikkor 16-85mm f/3.5 – 5.6 VR
  • Filtro infrarojo: Hoya R72
  • Exposición: 20 o 30 segundos.
  • Apertura: f/9 u f/11
  • ISO: 100
  • Postprocesado: Lightroom, blanco y negro con filtro rojo.

Originalmente publicada en Calle 35

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Aunque parezca que la iPhoneography se trata de un grupo de aficionados adictos y tecnócratas que no pueden dejar su móvil tranquilo, en realidad, es la continuación de un fenómeno que comenzó con la aparición de la cámara Kodak Brownie en febrero de 1900 y que se ha desarrollado desde entonces.

La Kodak Brownie es reconocida como el principio de la masificación de la fotografía. Con ella nació el término snapshot: una fotografía hecha sin pensar con un disparo rápido, sin ninguna intención artística o documental que normalmente no está bien enfocada, ni bien encuadrada, en la que el sujeto acostumbra ser la vida diaria, cumpleaños, atardeceres, mascotas o viajes.

Woman reading, about 1890 National Media Museum - Kodak Gallery Collection

Two men on the deck of a ship, about 1890 National Media Museum - Kodak Gallery Collection

Pero los snapshots evolucionaron en varios sentidos. Se han constituido en la reserva de la memoria visual, especialmente en Estados Unidos, donde se han hecho muchas investigaciones, publicaciones y exposiciones a partir de snapshots anónimos.

A mediados de los 60, John Szarkowski, director del departamento de fotografía del MoMA, promovió el término estética snapshot al referirse a un estilo que identificó en las fotos de Diane Arbus, Lee Friedlander y Garry Winogrand. Con estas fotos, que parecían aleatorias, casuales, con una temática aparentemente sin importancia, organizó una exposición “New Documents” en 1967 en el museo. Aunque la intención de Szarkowski iba más allá, muchos consideran esta exposición como el reconocimiento formal de la street photography.

Así, el disparo descuidado y el aparentemente descuidado, se unen consiguiendo una relevancia en la cultura y la documentación histórica consolidando una estética más compleja que la tradicional imagen perfeccionista de foco preciso, composición matemática y temática trascendental.

En los 90, la fotografía snapshot fue rebautizada como Lomografía y convertida en una marca registrada. Mientras el mercado se esforzaba en crear cámaras cada vez más perfectas, los lomógrafos se volvían adictos a unas lentes de plástico soviéticas y escribían 10 reglas de oro que reforzaban el espíritu ubicuo, instantáneo, veraz y repetible de la fotografía. Pero sus reglas y su estrategia de mercado, también rescatan el placer de fotografiar.

La Lomografía defendiendo la captura y proceso analógico, curiosamente, se populariza por medios digitales, especialmente a través de Flickr. En el mismo momento que las cámaras digitales empiezan a ser comercializadas en masa.

Pero las nuevas cámaras digitales no tenían ese look tan atractivo de la Lomografía. Eran lentas o muy caras e implicaban un conocimiento técnico, un cierto orden de trabajo y pesaban mucho. Estas características les quitaban el espíritu divertido, ubicuo, instantáneo y casual.

Entre los dos mundos aparecieron las cámaras de los móviles. Pero la revolución de la fotografía móvil tuvo que esperar a que éstos tuvieran conexión a Internet y software para transformar una captura mala en una imagen “lomo”. La clave de este nuevo paradigma no era la estética que se adoptó de la Lomografía, ni la captura digital. La clave era la publicación in-situ de lo que se estaba capturando en dos clicks.

Aunque a muchos les molesta el uso del término iPhoneography tenemos que reconocer que la popularización, a niveles masivos, del uso de redes sociales en dispositivos móviles fue producida por el iPhone. No fue hasta que Apple rediseñara completamente la experiencia de usuario con la pantalla táctil, software sencillo, una tienda de aplicaciones y una integración real con los ordenadores y sus iPods que “la masa” no comenzó a utilizar Internet de manera diaria en los “teléfonos”. Además, tanto Lomography como iPhoneography son útiles como etiquetas para distintas etapas del proceso histórico.

Casi todas las aplicaciones de fotografía para iPhone permiten compartir las imágenes, nacen sociales, es parte del código genético del iPhone. En los primeros tiempos, Polarize e Hipstamatic dejaban la socialización a redes de terceros como Flickr.

Instagram escogió crear su propia red social “exclusiva para instagramers”, en la que únicamente se puede publicar desde un iPhone y que, al principio, solamente se podía ver desde un iPhone. Esta idea “tan cerrada” consiguió 10 millones de usuarios en su primer año ¿por qué? Todo está en el nombre. Instagram no sólo es la continuación estética de la Lomografía, sino que potencia sus 10 reglas de oro. Siempre llevamos el móvil, no nos preocupamos de la trascendencia al disparar con él porque “es un móvil” y la captura no cuesta dinero, no hay opciones complejas y tampoco nos importa demasiado cómo quedará. Esto hace que no interfiera en tu vida, activas la cámara y disparas. Pero además, la tienes en el instante y la puedes compartir en la red Instagram, Tumblr, Posteourus, Twitter, Facebook, Mail…

El instante, el disparo irreflexivo, la sexta regla, es la clave del éxito de la Lomografía. Instagram destroza el único momento de reflexión que le podía quedar al proceso analógico, elimina la posibilidad de volver a ver la fotografía con otros ojos al recibirla revelada.

Desde la Brownie hasta la LC-A no hay mayores cambios más que el color. El iPhone, sus aplicaciones y las redes sociales que tienen detrás potencian hasta el infinito la escénica del snapshot. Instagram es la base de datos de los snapshots de hoy.

El interés de Barcelona Photobloggers en la telefonía móvil y la street photography no es reciente, y una de las consecuencias es Passengers, un libro de street photography centrado en el transporte público y sus habitantes que presentamos hoy. Con las fotos de Marcelo Aurelio, Godo Chillida, Benjamín Julve y las mías he hecho una edición con varias cosas en mente. Ilustrar el potencial artístico de la telefonía móvil reforzando nuestra creencia de que lo importante no es la tecnología sino los ojos que la usan. Acercar la idea más atractiva de la iPhonoegraphy: la inmediatez con una web que nos permite mostrar, no solo una selección de las mejores fotos, sino lo que estamos haciendo ahora mismo. Y, por supuesto, la de crear algo hermoso.

Passengers no es un libro de fotografía irreflexiva. Nos gustaría pensar que continuamos la tradición de la estética snapshot de Szarkowski, Lee Friedlander, Garry Winogrand y Robert Frank, pero en directo.

Es imposible considerarlo irreflexivo: es un libro. Ha tenido un proceso de edición, preparación de textos, traducción, producción y publicación. Escogemos los sujetos, los temas y las situaciones con una intención anterior. Buscamos una estética definida que se alimenta de toda nuestra experiencia previa como fotógrafos y amantes de la fotografía de calle.

El libro está disponible en castellano e inglés, en tapa dura, blanda y en varios formatos electrónicos de descarga gratuita. Más información en la web del libro.

Passengers no es sólo un libro de street photography. Tiene una característica diferencial, todo el proceso de captura, edición, post-procesado y publicación de nuestras fotos se hace desde la calle, desde el mismo lugar donde está el sujeto, muchas veces a un metro de distancia. Además de robarles fotos las publicamos en Internet frente a ellos.

Por eso Passengers, continúa aquí:

http://passengers-streetphotography.com/live/

…en directo, ahora, lo que estamos viendo, capturando y publicando ahora mismo. Como un proceso participativo que esperamos poder abrir a más autores pronto.

La fotografía es tecnología y mercado para que el fotógrafo la haga emoción, documento, mensaje, lucha…

Originalmente publicada para http://passengers-streetphotography.com/

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Me encantan los libros como canal para enseñar fotografía. Las exposiciones están bien, pero nos limitan a un espacio/tiempo concreto. La mezcla multimedia, que acaba siempre en un vídeo, es interesante pero fuerza al espectador a un ritmo y, aunque me interesa mucho, no me acaba de convencer. Por eso, desde que empezamos con el proyecto Arrinconado en Barcelona Photobloggers, estoy investigando y probando sistemas de impresión por demanda y ahora los eBooks.

“22″ nació como un libro de autor de edición limitada a 11 ejemplares, al menos por ahora. No creo en las ediciones limitadas, pero dada la naturaleza del proyecto no se puede reproducir en masa como objeto. Debe ser impreso en papel reciclado por una impresora laser color de oficina, sino se rompe su espíritu.

Con la nueva aparición de los servicios de agregación de Lulu.com a la iBookstore me he animado a crear una versión de “22” especialmente diseñada para iPad/iPhone.

Los eBooks son una cosa “nueva” y para fotografía y tienen serias limitaciones. Un eBook estándar, por definición, no tiene “layout” eso hace que nunca sepamos cómo se va a mostrar el contenido en el dispositivo lector. En abril de este año Apple adoptó para sus iBook una variante del estándar que permite decidir al diseñador dónde y cómo se mostrarán los elementos en la pantalla. Después de ver muchos libros electrónicos he decidido que la única manera que me interesa montarlos es con esta variante.

Por ahora, he creado la versión en castellano, de descarga gratuita, y la versión en inglés, con precio para poder entrar a la iBookstore. Los servicios de agregación no son la solución perfecta, pero me dan la oportunidad de experimentar con el formato sin las complicaciones de ser un editor oficial de Apple. El princpial problema es que no puedo enviar la versión en castellano a la iBookstore desde Lulu.

Esto es sólo el principio. Espero poder editar más contenido en eBooks pronto :-)

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Revisando el cajón de los recuerdos encontré el trabajo final que hice para mi título de “Analista universitario de Sistemas de Información”, un título intermedio de la carrera de ingeniería de la Universidad Tecnológica Nacional.

Se trata de un enfoque heurístico utilizando la información georreferenciada para el clásico “problema del viajante“. La intención es que sea fácil de implementar en un entorno empresarial con servidores SQL estándar.

Durante mucho tiempo estuvo disponible on-line y he me ha apetecido rescatarlo.

En caso de algún problema con scribd aquí os dejo el PDF: El problema del viajante de comercio, heurística basada georeferencias, 1996-1998

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This is my soundscape for Phonar Creative workshop task 2: Alienated senses. I played the “ears” and Oscar played “eyes”.

Location: Barceloneta, Barcelona, Spain
Weather: Cloudy
Mood: Focus on task
Hardware: H4n Zoom at 96kHz/24bits

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Since on my first task I didn’t tell a linear story I decided to create a similar set of images from my portfolio. Here are 8 images using a similar layout, but I really prefer the full version of 24 images.

[español]

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A few days ago Oscar tell us about phonar. The transmedia narrative is certanly a lack form so I decide to try.

On the first task I end up with a non-linear set of images, I try to trigger sensations rather than tell a linear story. Readers should think and interpreter. Using a beautifully women I join beauty with war, prostitution, abuse, social difference, sadness, sex and pleasure.

[español]

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La semana pasada un centro cultural de Barcelona me contactó para contrastar ideas sobre un proyecto. Tuvimos una charla de un par de horas en las que conté la experiencia de Barcelona Photobloggers en la organización de proyectos participativos de fotografía. Al terminar, me quedó la sensación de que esa charla podría ayudar a más centros y he decidido publicarla esperando que el nivel de las llamadas “participativas” aumente, sobre todo, que aumente el respeto a los participantes.

Normalmente, en el contexto de las instituciones culturales estables un proyecto participativo en red es una acción de marketing y debe hacerse con unos objetivos cuantificables y se dirige a un público definido.

Un proyecto de participación en red no es publicar una página web e invitar a 1000 personas. Un proyecto de participación es un complemento a una exposición. Por lo tanto, debe ampliarla, cuestionarla o afirmarla. Debe integrarse en el espacio expositivo y en el discurso. No es un juego para atraer al público, es cultura. La sección participativa debe ser interesante para todos los visitantes, no sólo para los que han enviado fotografías.

Hay otras formas de promoción en red que pueden utilizarse y son menos arriesgadas. Los proyectos participativos son muy potentes pero implican esfuerzo y riesgo. Esfuerzo de crear un espacio compatible y continuo en la exposición estable y un riesgo al cambiar las reglas de juego de centro-habla, público-escucha.

La participación en red es siempre un camino de dos vías. Si pides al público que participe entregando contenido, has de darle algo a cambio, algo que le interese en tiempo y forma. Conocer los intereses del público al que nos dirigimos es muy importante. La personas que diseñan y gestionan la comunicación en red para la participación deben ser uno más en el juego, tener intereses y preocupaciones similares al publico objetivo, y, al mismo tiempo, un conocimiento de la entidad para la que están trabajando. Esto se suele conseguir con equipos mixtos. Se pude trabajar con alguien que conozca la institución y, además, es necesario contar con el apoyo de “gente de la calle”, personas que formen parte del público objetivo.

Es clave que al principio de la participación todos los términos estén claros y no cambien ni estén abiertos. Lo que gana y entrega el participante debe estar escrito en los términos y condiciones. Aunque durante el proceso de la campaña existiera la posibilidad de mejorar las condiciones no tiene sentido. No acostumbramos a valorar los regalos, sí las recompensas. Si regalas algo que no estaba en los términos iniciales la gente tenderá a no valorarlo.

En estos días otro centro cultural de Barcelona está invitando a participar con la frase “envía tus fotos, habrá premios”. “¿Qué premios? ¿Qué harán con mis fotos? ¿Mis fotos estarán en la exposición?” son las primeras preguntas que se hará cualquier potencial participante. Esas dudas deben estar perfectamente explicadas en la comunicación de la convocatoria y no pueden cambiar.

Otro tema importante es la validación del convocante. Los usuarios no confían en entidades sin rostro. Las convocatorias de Barcelona Photobloggers las hacen los miembros que dirigen la asociación, con nombres, apellidos, mails y teléfonos de contacto. No nos “escondemos” detrás del nombre de una entidad. La credibilidad en la red es de persona a persona. Las entidades se construyen a partir de esto (salvo que seas el MoMA). Cualquier duda estamos siempre al alcance, la gente nos conoce por nuestras actividades y por la asistencia a actividades de otras instituciones porque la fotografía es nuestro interés más allá de Barcelona Photobloggers. En cada inauguración, estamos allí con las camisetas puestas para que cualquiera que quiera conocernos nos encuentre.

Para que una convocatoria tenga éxito es necesario un mínimo de dos meses on-line, con todo el software y la publicidad funcionando. Y es un mínimo muy mínimo. Normalmente cuando encaramos estos proyectos intentamos tener cuatro meses por delante.

El objetivo final de toda participación ciudadana en un proyecto cultural es la felicidad de los que juegan el juego. Las personas que apuesten por entregar su tiempo y material al centro para enriquecer un producto deben sentir que son parte de algo, que se les valora, escucha y premia por su esfuerzo. Este sentimiento creará “fans”, fans de verdad, fanáticos del centro/museo. Los “fans” en las redes son la clave para tener publicidad a gran escala sin gastos. Son los que estarán siempre en las actividades… son los que elevarán el número de visitantes no de manera puntual sino de manera constante.

Hace muchos años un compañero me dijo: “somos payasos, ése es nuestro trabajo”. Los gestores culturales somos payasos, nuestro objetivo es difundir en un marco más próximo al ocio que al pensamiento. Esto es especialmente cierto en proyectos participativos abiertos. Toda la experiencia ha de ser un placer para el público que asiste y para el que asiste y participa. Si estás leyendo esto y ves que a ti lo de payaso no te va es mejor que diseñes un proyecto participativo abierto a público general.

Es preferible no iniciar un proyecto sino se piensan y maduran bien todas las etapas. Es preferible esperar al siguiente. El riesgo de abrir la comunicación con un producto inmaduro es perder el respeto del participante, que puede llegar a jugar una vez, pero que no querrá estar en ninguna iniciativa futura.

Barcelona Photobloggers nace de la interacción en red de usuarios de photoblogs. Desde el 2006 organiza proyectos participativos y colaborativos en red para galerías, centros culturales, centros comerciales y ayuntamientos. Ha desarrollado software específico para la participación en red para contenido fotográfico.

Más información sobre los proyectos de Barcelona Photobloggers.

C.V. cultural de Fran Simó

Descargar como PDF

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Después de mucho pensar esta es la serie que he enviado al “London Street Photography Festival“. Dudo mucho que llegue a ganar, hay mucha gente muy buena en el mundo de la street, pero al menos el proceso de selección siempre sirve como un sistema de autocrítica y meditación sobre lo que vemos cuando disparamos, sobre lo que “nos mueve” mientras caminamos.


I love to portray people in the streets. I’ve chosen this series because I want to show people going through the city absentmindedly, creating a space for themselves, their thoughts and pain.

They are staring into space, exhausted, feeling lonely or sad…they are somewhere else while surrounded by the city’s noise. The streets aren’t there anymore, not for them – they’ve escaped.

Ahora solo queda esperar al jurado :-)

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Una mujer negra lleva a una niña asiática ambas con paraguas atravesando las barreras de protección anti-terroristas puestas al rededor del edificio de la bolsa en Wall Street. Detrás un hombre blanco, vestido de oficina pide un hotdog. Otra mujer lleva un paraguas con la bandera americana. En el fondo la Trinity Church, entidad fundadora de la Universidad de Columbia, la primera universidad del estado de Nueva York. En su cementerio están enterrados algunos de los hombres que declararon la independencia. 

Llegué a Wall Street sobre las nueve, llovía, llovía mucho. En la cultura estadounidense está muy arraigada la idea de la lucha para la conquista del territorio. Para los conquistadores europeos las fuerzas naturales de América eran de otra dimensión. Aunque la lluvia no era el gran desastre natural me podía servir para mostrar a los americanos luchando, siguiendo adelante, haciendo un camino.

El lugar era especial, el centro del mundo financiero y la herida más reciente en la historia de Estados unidos. Con sus símbolos de poder y miedo por igual.
Lugar: 51-65 William St, New York, NY 10038, USA
Fecha: 27/09/2010

Una hora después de estar disparando distintos encuadres vi aparecer a la mujer con la niña en el carrito, el paraguas bandera y el tío del hotdog y lo supe: si la cojo es la foto que vine a buscar. No sé si será mi mejor foto, pero cuando Darius me dijo “tu foto favorita” esta fue la que apareció en mi mente.

Publicada originalmente en: My Very Special Photo de Darius Koehli

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Hoy se hace oficial mi incorporación al colectivo Calle 35.

Calle 35 es un colectivo cuya finalidad es divulgar y disfrutar la fotografía de calle. Formado inicialmente por Marcelo Caballero, Carlos Prieto, Rafa Pérez, Domingo Venero Barberán y Rafa Badia, este colectivo con base de operaciones en Barcelona está abierto a nuevas incorporaciones y miradas.

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Durante el 2002 el laboratorio donde acostumbraba revelar bajó los precios del “revelado a CD” y empecé a pedir siempre el soporte digital. A principio del 2003 ya había decidido abandonar el papel.

La desmaterialización de mis fotos implicó que ya no tenía “nada” que llevar al trabajo para comentar en el café. Un compañero me sugirió un soft que estaba usando para galerías. Acabé adaptando el programa; buscaba que se vieran primero las últimas fotos que hubiese subido, que las fotos se vieran grandes, ocupando casi toda la pantalla, sin estorbos, y que se pudieran dejar comentarios.

Con el tiempo descubrí que había montado un fotoblog. Y como en todo, no era el primero, ni el que mejor lo había hecho. Los fotoblogs estaban surgiendo por todas partes a principios de “los 2000”, pero a eso volveré más tarde.

La palabra fotoblog es la castellanización de photoblog una categoría de blog según la clasificación por “media type”, algo así como una clasificación morfológica.

Según esta clasificación los blogs pueden ser

  • blogs (textuales)
  • photoblogs (fotografías)
  • videoblogs (vídeos)
  • podcast (audio)
  • sketchblogs (dibujos, teóricamente publicados con formatos de ficheros específicos)
  • typecast (manuscritos)
  • etc…

Entonces un fotoblog es un tipo de blog en que se publican fotografías. La fotografía es el contenido, no ilustra ni acompaña. Podríamos definir un fotoblog como un formato expositivo en red para fotografías, diseñado para ser actualizado y leído periódicamente y que se caracteriza por ser una recopilación ordenada cronológicamente de forma inversa a la publicación.

Cada entrada (o post) de esta tipología de blog tiene al menos una fotografía, puede prescindir de texto, incluso de título. El objetivo de un fotoblog es mostrar
fotografías.

Por contraste debería quedar claro que un fotoblog no es un blog en el que se habla de fotografía, ni de cámaras, eso sería una clasificación semántica de la que podrían surgir cosas como los vacablogs, si escribiésemos de vacas.

Diseño, layout e interacción

Hay varios layouts estandarizados, el primero, el más clásico, es el de una sola fotografía por entrada y que ocupa toda la pantalla. Por ejemplo, mi fotoblog, http://justpictures.es/

El segundo más utilizado sigue siendo teniendo una imagen por entrada, pero se pueden ver varias imágenes al mismo tiempo. Por ejemplo, Silvia Varela Diary

Finalmente hay dos tipos en los que cada entrada muestra una serie, algunos en forma vertical y otros en forma horizontal. De la primera clase podríamos ver, yakuzasblog, de Albert Jordar, y de la segunda, los horizontales podríamos citar a Abigail Reese.

Para mi, aprovechar toda la pantalla y conseguir la interacción más simple es esencial. En el diseño más clásico el lector solo tiene que hacer click, sin siquiera mover el ratón, en el caso de un dispositivo táctil es, aún más sencillo, solo tiene que “tocar” la foto para ver la siguiente. Tener que utilizar las barras de desplazamiento, sean horizontales o verticales, es una molestia. Además, prefiero que en la pantalla se vea una sola imagen, la serie se puede leer interactuando.

Libros, periódicos, cuadros, pantallas, iPad y Wii

En una ponencia de Quentin Bajac en SCAN’08 mencionó un estudio del Centre Pompidou referente a la idoneidad del formato expositivo vertical u horizontal para la fotografía. El estudio analizaba la horizontalidad y verticalidad, la idea de colgar fotografías estaba muy influenciada por la idea de colgar cuadros, parecía más natural leer fotografías en libros o periódicos porque eran un formato más moderno, más contemporáneo a la fotografía misma…

Resulta que ahora podemos ver fotografías en pantallas de ordenador, teléfonos móviles, iPads y podemos interactuar con ellas incluso con las consolas de juego. El nexo común que tienen todos los dispositivos, desde el punto de vista de un autor que distribuye contenido, es la web.

Desde luego existen otros contenedores para la distribución on-line de las fotografías, como las galerías, los PDFs, los mails y los distintos formatos de eBooks y cada uno de ellos se adapta mejor a distintos tipos de comunicación.

Los fotoblogs son, antes que nada, blogs, es decir, una publicación periódica que se lee de manera regular en la que normalmente se pueden dejar comentarios y que da mayor relevancia al contenido más nuevo. Parecen una herramienta más adecuada para comunicar proyectos en desarrollo, diarios personales, noticias o trabajo diario. En cambio una galería, PDF o eBook se adapta más a proyectos terminados y portfolios.

Aquí hay que hacer una salvedad tecnológica, los fotoblogs, al ser blogs, están más adaptados a la web 2.0. La web 2.0 y las redes sociales dan mucha importancia a la renovación del contenido. Esta podría ser una razón por la cuál nos interesara utilizar un fotoblog para mostrar proyectos ya ha acabados o portfolios, no porque sea el contenedor que más se adapta al contenido, sino porque logra una mayor difusión.

Fotoblog como proyecto y fotoblogs conceptuales

El fotoblog puede ser un proyecto en sí mismo o ser un medio para dar a conocer un proyecto concebido independientemente.

justPictures, mi fotoblog, cumple con la definición más clásica de fotoblog. Es un diario personal, publica cada día, solo hay una fotografía en cada entrada, rara vez hay texto y el diseño es minimalista. Visto así, tiene muy poco glamour, no tiene un único concepto ni estilo fotográfico detrás, lo que muchas veces le quita coherencia visual. Un visitante casual, al ver solo una foto en la home, no entiende que detrás hay muchas más.

Pero el objetivo de mi fotoblog no es llegar a un publico masivo, sino a un grupo reducido de lectores, muchos cercanos, y, por encima de todo mantenerme trabajando y pensando. No es un canal para vender mi fotografía, considero que las fotografías publicadas en él son borradores.

Pasaron una etapa de selección, muy cercana a la toma y carecen de perspectiva, pero una lectura posterior me da pistas para continuar buscando. Pero existen infinitos fotoblogs que han nacido con un concepto, estilo e intención definidos.

En su “acerca de” Muros hablados dice “Cuando no queda otro lugar que un muro o pared en la calle para expresarte…” “Éste es el motivo del photoblog, aprovechar este medio para que aquellas palabras que fueron escritas puedan ser leídas.” y como ejemplo una de las últimas entradas muchos podrían creer que es un fotoblog de graffitis, pero se trata de un conjunto de mensajes dejados en las paredes.

Otros fotoblogs con una definición estilística o conceptual podrían ser:

Un buen lugar donde buscar fotoblogs interesantes son los premios anuales de fotoblogs. Los que más me gustaban solo han tenido tres ediciones son los photobloggies . Los photoblog awards aún continúan y podéis ver a los más votados en el premio del 2010 en http://www.coolphotoblogs.com/awards (este premio se basa en votaciones populares, por eso no
me acaba de convencer)

“Dios los cría y ellos se juntan”

Os decía que a principios del 2000 los fotoblogs aparecían por todas partes, en esa época todo giraba en torno a un directorio de fotoblogs photoblogs.org La wiki de photoblogs.org tenía las definiciones básicas e instrucciones para empezar.
El directorio nos permitió encontrar fotoblogs por temáticas similares y por ubicación del fotobloguer. Esa fue la clave, la ubicación. De repente teníamos un listado de los fotoblogs de España y comenzamos a seguir a los fotobloguers españoles a comentar en las fotos y, poco a poco, fue naciendo la comunidad fotobloguer. La primera manifestación física de la comunidad on-line fue el encuentro en Zaragoza en octubre del 2005. Como consecuencia directa nace Barcelona Photobloggers en febrero del 2006, a la que después se le unen Madrid Photobloggers, Vinaròs Photobloggers y Valencia Photobloggers.

Al mismo tiempo, a nivel Europeo, crece Europe Photobloggers y en muchas ciudades se repite la tendencia como Londres, Nueva York, Toronto, Chicago, etc.

Así, lo que había empezado como una forma de mostrar las fotos on-line, se convierte en una comunidad local de actividades culturales. En mi caso, como co-fundador de Barcelona Photobloggers os puedo asegurar que la realidad ha superado ampliamente a la imaginación.

Me gustaría que vierais esta referencia, algunos de los proyectos que hemos hecho a los que podemos sumar colaboraciones como Caja Azul, un espacio de debate teórico de fotografía y muchas más que están por ver la luz.

En esta pequeña reseña de fotoblogueando he omitido ciertos temas como Flickr, la influencia en el mercado de los aficionados, las tendencias estéticas nativas de la web y muchas otras cosas. Me he centrado en los fotoblogs alojados en dominios propios con diseños personalizados porque me parecen más apropiados como recurso artístico, pero hay mucho más de que hablar.

En la wikipedia se define photoblogging como la acción de publicar periódicamente fotografías en la red, pero es mucho más cuando comienzan las interacciones, la conexiones de la red y las ganas de trabajar en proyectos comunes, espero haber podido dar una pequeña pincelada de este mundo, una mezcla entres artístico y tecnológico, a los lectores del Blog PHotoEspaña SanDisk.

Os dejo algunas imágenes de despedida:


Intercambio de fotografías, segundo cumpleaños de Barcelona Photobloggers 2007
Encuentro Europe Photobloggers, Barcelona 2008


Exposición “elements” 1578 fotografías, centro comercial Maremagnum, Barcelona 2008 http://www.elements-barcelona.com/

Originalmente publicado en el Blog SanDisk de PHEspaña

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A los 6 años pedí para mi cumpleaños una bicicleta. A los 7 una cámara, fue una Kodak Brownie Fiesta. Ahora voy en moto y llevo una reflex digital. El sueño de viajar tampoco cambió. Lo curioso es que llevo toda la vida viajando con una cámara y aún no he comprendido muy bien la experiencia en su totalidad, ni emocional, ni fotográficamente.

De todas las fotos que hice entre los 7 y los 15 años recuerdo claramente 4, dos de ellas de viajes y dos del patio de casa. Este juego de rescatar imágenes de la memoria después de mucho tiempo es muy interesante. Ahora lo suelo usar para editar mis series. Después de dejarlas reposar unos meses me pregunto ¿Lisboa? La primera foto que viene a mi cabeza es Lisboa y suelo trabajar desde ese punto.

Rara vez recuerdo una imagen reconocible del lugar. Casi siempre son imágenes que nadie o muy pocos sabrían dónde han sido hechas… ¿Porqué olvido las postales y recuerdo códigos secretos?

La respuesta no tiene importancia, jugar sí.

Berlín

India

Tokio

Lisboa

Nueva York

Originalmente publicado en el Blog SanDisk de PHEspaña

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¿Por qué?

2010-04-05

Sincronizados al ritmo urbano es difícil cuestionarse. Nos arrastra como la corriente de un río que no sabemos a dónde va. Cuando de repente somos una gota desprendida del conjunto y caemos verticalmente, sintiendo el vértigo de la cascada adquirimos una conciencia distinta de nuestra propia naturaleza.
Después del golpe volvemos a ser parte del todo, y, aunque solo sea por la diferencia de velocidad, podemos sentir la quietud del estanque.
Es el ritmo de la vida, pero hay escenas que se nos aparecen y modifican ese ritmo habitual. ¿Qué hay en esa escena que “tiene” que ser fotografiada?
Aún no son imágenes, a veces, no llegan a serlo. Son vivencias visuales. Algunas codifican todas nuestras influencias, otras explican cómo nos sentíamos, otras son intentos de atrapar el espíritu de la luz.
Son un misterio que encierran tensión y calma al mismo tiempo, no son instantes decisivos, son vivencias condensadas.

Más tarde, algunas de ellas será decodificadas se convertirán en series o pasarán al olvido, pero lo realmente importante es esa capacidad que tienen algunas escenas de disminuir el ritmo, de impresionarme aunque no se conviertan en fotografías. Por eso hago fotografías, para vivir el proceso del misterio, se revele o no.

Originalmente publicado en el Blog SanDisk de PHEspaña

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El verano pasado viajamos a New York. Pensé “¡Verano! ¡New York! ¡Coney Island!”. Llevaba en la cabeza grabada una foto de Bruce Gilden. Pero no pudo ser, no hubo ni un día sin diluvio… y volvimos a casa, a la rutina. Dentro de las repetitivas actividades poco glamourosas, a diferencia de los viajes pasados por agua, estaban las actividades de Barcelona Photobloggers, entre ellas, impartir un curso de laboratorio blanco y negro; ordenar la casa y preguntarme qué hacer con los carretes caducados de blanco y negro; ir a trabajar, ir a la playa…

Supongo que en algún momento hasta podemos tener una idea… cogí la Pentax K1000 con el 50mm y un Ilford 125 que llevaba varios años olvidado y fui a la playa a tomar el sol.

Lo importante era el sol, disfrutar de la brisa, el mar y, si veía algo, disparar. Escogí una cámara vieja para no tener que estar preocupado por nada, ni la arena, ni los robos y porqué pensé que con una cámara antigua nadie me tomaría en serio y podría acercarme sin llamar la atención.

Podría haber perseguido a los frikis, habitantes naturales de San Sebastián, pero preferí buscar a mis “compañeros” a las personas normales que iban a pasarlo bien al sol.

Cuando se me terminaron los carretes caducados acabé la serie con mi reflex digital y seguí sin llamar la atención, supongo que habré entendido algún código veraniego o que en la Barceloneta no hay tantos prejuicios. Podéis ver el resto de las fotos, casi sin edición, en mi fotoblog.

Originalmente publicado en el Blog SanDisk de PHEspaña

Actualización del 2011: He agregado una galería de la Barceloneta aquí mismo

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En el taller Vivir de la fotografía en el siglo XXI se respiraba la necesidad de ampliar las ponencias relacionadas con marketing on-line y redes sociales. Se nos ocurrió que podíamos continuar el tema con una charla informal reuniendo fotógrafos profesionales por un lado y expertos de marketing y redes sociales por otro.

Preparé un guión muy básico para que todos los ponentes supiéramos por dónde ir. A diferencia de un curso no habría ejemplos, ni recetas de cómo hacer un perfil en la red social “a” o “b”. La intención era transmitir una serie de ideas básicas de marketing.

La charla se puede descargar como fichero o escuchar con el iTunes para iPod/iPhone.

Las ideas principales que queríamos transmitir eran

  • Marketing es vender.
  • Vender no es solo pasar por una tienda recoger un producto y pagar en caja. Es un proceso largo, que puede durar años, y que tiene dos objetivos: generar ingresos para el vendedor y felicidad al comprador.
  • No se venden productos, se venden marcas.
  • Lo primero que hay que hacer siempre es pensar. Pensar qué queremos vender, cómo, a quién y cuándo. Planificar.
  • En fotografía marca suele ser lo mismo que fotógrafo.
  • El objetivo de una marca es dejar un rastro en la memoria de los compradores. No basta con un “proceso de compra feliz”, además, han de asociarlo con una marca, para que vuelvan a comprar.
  • Muchos fotógrafos profesionales ya tienen una marca. La gente asocia a ellos ciertos valores, conocimientos, estética, sensibilidad, compromiso, etc. Se ha de ser consciente de eso y potenciarlo en la red.
  • En la web también existe la estética. Esta sirve para reforzar la idea de marca. Si tu blog es visualmente igual que el de otro fotógrafo, ambos pierden identidad.
  • Usabilidad: las webs han de ser fáciles de usar para el cliente al que van destinadas. Si nosotros no somos navegantes habituales o no conocemos las costumbres de nuestros clientes es mejor no utilizar nuestro criterio para juzgar nuestra web. ¿Alguna vez te has preguntado qué buscan los editores o los compradores en tu web?
  • Posicionamiento: es muy importante y, a la vez, muy complejo. Se pueden seguir unas reglas básicas para no cometer errores, pero hacerlo bien es cosa de profesionales y de tiempo.
  • Tipos de presencia on-line según grado de implicación: página de contacto, portafolio, blog, tienda, redes sociales. Cada una cuesta más inversión de tiempo, pero puede dar mejor resultado.
  • Nuestro perfil en las redes sociales es una extensión de nuestra marca. Aunque lleve nuestro nombre no somos nosotros, sino lo que queremos que los clientes vean. La honestidad es muy importante, pero no es necesario, ni relevante, explicar qué desayunamos.
  • Nos reunimos para hablar cara a cara. La web solo es una herramienta más que se suma a todo lo que hacíamos antes. Nos da más posibilidades, pero no es mejor, ni peor que los métodos tradicionales.
  • Si no disponéis de tiempo, contratad a alguien para que os haga un plan de marketing on-line, pero siempre sabiendo por qué vais a pagar.

Os recomiendo que veáis este vídeo (en inglés): Photographer Websites: What Buyers Want 2009. Resume casi todos los contenidos de la charla con la gran ventaja de que está basado en una encuesta a más de 550 clientes de fotografía.

Otro recurso interesante para contrastar la importancia de las redes sociales y su impacto lo mencionó Joan Vendrell durante la charla y lo podéis encontrar en Naturpixel.

Sobre posicionamiento podemos encontrar conceptos básicos a tener en cuenta en esta guía bastante accesible.

Después de toda esta teoría van algunos consejos prácticos:

  • Dejad inmediatamente de usar Blogspot. Estáis destrozando vuestra marca y ayudando a Google.
  • Somos fotógrafos y deberíamos saber la importancia que la estética tiene en la consolidación de una idea. ¿Qué diferencia visual existe entre el blog de Paco y el de Tino? Ninguna, son idénticos. No están reforzando su marca, sino la de Blogspot.
  • Comprad vuestro dominio. El registro del dominio cuesta entre 7 y 9 euros al año. Es buena idea comprarlo aunque no se vaya a utilizar inmediatamente.
  • Es muy importante para el posicionamiento tener todo el contenido dentro del mismo dominio: página de presentación, portafolio y blog pueden estar todo en el mismo sitio.
  • WordPress es una herramienta muy potente, fácil de configurar y de usar. Comparad Barcelona Photobloggers, Personism, THE SPACE IN BETWEEN, too much chocolate, Nocturama y justPictures. Todos estos blogs utilizan WordPress, y creo que es bastante evidente que tienen una identidad muy definida.
  • Proveedores como DreamHost ofrecen la instalación automática de WordPress en el dominio, no es necesario saber ningún dato técnico, es un “one click install”. En 10 minutos tienes un blog completamente personalizable funcionando, que tiene miles de posibilidades, como crear tiendas, portafolios, etc, etc, etc. No es el mejor proveedor del mundo pero solo cuesta 9 dólares al mes.
  • Estamos hablando que el registro de un dominio y el servidor os cuestan unos 120 euros al año ¿no vale eso vuestra marca on-line?
  • Si no queréis dolores de cabeza pagad a una empresa como Naturpixel para que os asesore.
  • Si aún así, seguís con la idea de usar herramientas gratuitas, intentad personalizar vuestro Blogspot como estos: AMY ELKINS o 1000 words photography magazine.
  • Hay otras herramientas gratuitas como Posterous que son mucho más sencillas de usar que Blogspot, más configurables y están totalmente integradas con redes sociales, de manera que ellas ya se encargan de actualizar Facebook, Twitter y Flickr cuando publicamos.

Aunque aquí hay mucho contenido falta mucho por hablar, ni siquiera nos hemos detenido ha comentar Flickr, poco hemos hablado de cómo usar Facebook, ni de cómo mezclar todas las herramientas aprovechando lo mejor de cada una. Pero es un comienzo.

Algunas ideas muy personales que expresé en la reunión:

  • El valor de mercado y el costo de un producto no tienen ninguna relación. Si la sociedad no valora el trabajo de los fotógrafos la profesión desaparecerá como han desaparecido los panaderos “de verdad”. Son los fotógrafos los que han de realzar el valor de la fotografía en la sociedad.
  • Barcelona Photobloggers organiza todo tipo de eventos dentro del mundo de la fotografía porque creemos que el bien común es también el bien individual.
  • El éxito de cualquiera de los fotógrafos cercanos a nuestro círculo es un beneficio para nosotros.
  • Barcelona ha perdido mucho terreno en la fotografía, solamente los que amamos la fotografía se lo podemos devolver… y no hay que esperar que nadie nos ayude.
  • La única fotografía con futuro como mercado es la de autor. La que lleva una firma y tiene un significado o componente artístico.

Hemos tenido la suerte de contar con el apoyo de Francesc Muntada, quien consiguió la sala del Institut d’Estudis Catalans donde nos reunimos. Los ánimos de Tino Soriano y Valentí Zapater para organizar la charla. La ayuda de Toni Rodríguez, Joan Vendrell, Godo Chillida, Marcelo Aurelio, Alfonso Para y Oscar Ciutat como ponentes. Y unos oyentes de lujo: Rosa Maria Vila, Roger Llonch, Valentí Zapater, Jordi Xampeny, Jordi Bas, Roger Eritja, Albert Masó, Antoni Fernàndez, Quim Reverté y Montse Guillamon.

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“El meramente curioso no tiene derecho… El Zen, como toda mística, será comprendido únicamente por un místico que… no sucumbirá a la tentación de obtener en forma subrepticia lo que la experiencia mística le niega” (Nota del traductor en: Zen en el arte del tiro con arco)

En la charla de Pepe Baeza me enteré Braque le había recomendado a Henri Cartier-Bresson la lectura del libro Zen en el arte del tiro con arco de Eugen Herrigel.

Con este artículo pretendo explicar lo que llamo Fotografía intuitiva. Es el estilo de fotografía que más he practicado y desde que sé que HCB basaba su fotografía en el libro de Herrigel he descubierto que mi actitud detrás de la cámara se basa en los mismo principios que se basaba HCB, pero con algunas diferencias.

Algunas frases que podrían resumir las ideas de HCB sobre lo que él llamaba Fotografía del Natural, que están muy relacionadas al pensamiento budista y al libro de Herrigel:

  • “Fotografiar, es poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo punto de mira”
  • “Me inspiraba, sobre todo el deseo de atrapar en una sola imagen lo esencial que surgía de la escena”
  • “…basta con ser lúcido respecto a lo que ocurre y ser honesto con respecto a lo que se siente.”

Para quienes estén interesados en leer los artículos de HCB completos podéis leer Fotografiar del natural y El instante decisivo en el blog, pero os recomiendo comprar el libro. (more…)

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De camino a la charla pensaba “el pesado de Cartier-Bresson otra vez ¿no hay otro de quién hablar?” pero como el ponente era Pepe Baeza me anime a ir y valió la pena, la ponencia fue amena y el tema me ha hecho revisar todo lo que pienso sobre fotografía.

La fascinación que todo el mundo parece tener por Henri Cartier-Bresson me tiene harto. ¿La fotografía solo es un instante? William Klein decía la vida de un fotógrafo son unos segundos, la suma de cientos de instantes a 1/125s. ¿Cuántas fotografías llegas a conocer de un fotógrafo? Se preguntaba ¿Cuanto conoces de su vida 1 segundo, 2…?

Entiendo que cierto tipo de fotografía se rinde al momento, pero el culto a HCB me parece desproporcionado. Cuando vi por primera vez A View From an Apartment me fascinó, más lo hizo cuando me enteré que Jeff Wall había alquilado el piso y hecho vivir a una de las modelos en él por casi un año para hacer la fotografía. Definitivamente hay más en la fotografía que “el instante decisivo”.

Pero esta “rabia” proviene más de la marca HCB que de su fotografía o su pensamiento. Siendo realistas sin marketing nada tiene éxito y HCB hizo un excelente marketing de su trabajo, tanto que se convirtió en un Dios de la fotografía y eso me molesta.

Una de las frases de Pepe fue lo que acabo de desatar mi furia, una recurrente en las charlas y en todas las conversaciones “artísticas” relacionadas a la fotografía: “la coherencia”. ¿Qué es ser coherente? Por lo que he llegado a entender ser coherente es algo así como ser inútil, es decir, hacer lo mismo durante toda la vida, y, además defenderlo. Una cosa es trascender por una etapa de tu desarrollo artístico, como podría ser el cubismo, pero otra, muy diferente es haber utilizado solo una técnica durante toda tu carrera. Si después de 10 años de hacer lo mismo no lo haces mínimamente bien o no te has inventado un “discurso” para venderlo es que eres demasiado inútil, es decir, que no llegas ni a ser coherente.

¡Ah! Por cierto, ¡Cindy Sherman también es coherente! Y es aún más inteligente, deja que el discurso se lo escriban mientras sigue jugando a disfrazarse frente a la cámara, como lo hacía por hobby en las fiestas de adolescente…

Todas estas rabietas tienen un cosa en común, el mercado del arte. Ser “coherente” es la única manera de ser vendible. El mercado es corto de vistas, no entiende sino es capaz de encasillar. Haz de tener “un estilo”, “ser reconocible”, “ser marca” y la mejor manera de conseguirlo es hacer siempre lo mismo.

Guillermo, victima contestataria de mis dudas existenciales, me dijo que buscaba genios no fotógrafos… vamos, que “se me iba la perola”… Tal vez pido demasiado. Es que soy de los que creen en la búsqueda, estoy acostumbrado a ver retrospectivas de artistas que han hecho de todo en su vida y durante toda su vida.

¿Qué pasaría si Metálica se pusiera a tocar Sardanas? ¿Les dejarían? ¿Sabrían? Tranquilos la discográfica no les dejará.

Lo que no me esperaba era la relación con el budismo, eso cambio mi relación de aburrimiento-odio a una de amor-odio con HCB. Esto es lo que me hecho publicar la entrada con tanto retardo. Pepe ha conseguido que me lea Fotografiar del natural y Zen en el arte del tiro con arco y medite sobre cómo fotografío, cómo miro, he mirado y quiero mirar. El resultado es Fotografía intuitiva.

Originalmente publicada en Barcelona Photobloggers

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flickrGrama 3030122090

Rainy Day as flickrGrama.

This is a procjet i’m working flickrGramas.

It’s a very early version, my first try. Next improvements are
1) use only cc drivates allowed
2) create by tags (a face formed by thousands of faces, a rainy day formed by thousands of rainy images)
3) improve color indexing technics

More resulution here (1,800px)
Full resolution here, (18,000px, 106Mb!!!).

There are 43200 pixels, represented by 22938 different images on this flickrGrama.

flickrGramas are the evolution of elements exhibition’s software.

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